El trabajo de Nazafarin Lotfi se encuentra actualmente en exhibición como parte de TMA 4×4 exhibición. Lotfi es una artista interdisciplinaria que combina dibujo, pintura, video y escultura para explorar la conexión espacial y temporal de los cuerpos con su entorno. Lotfi recibió en 2020 la Beca para Artistas del Museo de Arte de Phoenix, recientemente fue Artista Internacional en Residencia (enero-marzo de 2021) en Artpacio en San Antonio, Texas, y tiene una próxima exposición individual en Regards en Chicago que se inaugurará en septiembre de 2021. Su trabajo se presentará en TMA hasta el 26 de septiembre de 2021.
**esta conversación ha sido editada para mayor claridad**
Jeremy Mikolajczak (TMA): En resumen, ¿puede contarnos sobre su educación, cómo llegó a ser artista y qué lo trajo a Tucson?
Nazarafín Lotfi: Nací y crecí en Mashhad, Irán, y dejé mi ciudad natal para ir a la universidad a estudiar arte en la Universidad de Teherán. Básicamente nunca volví, excepto en viajes cortos. Mi mamá me introdujo al arte: fue su curiosidad y pasión por la historia y la cultura lo que acercó el arte a nuestro hogar.
No tenía acceso al arte contemporáneo donde vivía, así que no vi mucho arte antes de la universidad. En cambio, vi artefactos antiguos e históricos. Mi familia visitó muchos sitios arqueológicos que no estaban muy lejos de mi ciudad natal. Fue durante estas visitas que aprendí sobre la cultura material, la fabricación de objetos y la idea del tacto como medio de comunicación y expresión. Llegué al arte desde una perspectiva de humanidades y las actividades que realicé en mis años de formación, como leer ciencia ficción y tomar una clase de dibujo de observación, siguen siendo la base de mi práctica.
Un par de años después de terminar la licenciatura en la Universidad de Teherán, me aceptaron en el programa de posgrado de la Escuela del Instituto de Arte de Chicago en el Departamento de Pintura y Dibujo. Viví en Chicago durante unos diez años enseñando, creando arte y mostrando obras. Me mudé a Tucson en 2017 porque mi pareja consiguió un trabajo docente en la Universidad de Arizona.
JM: En nuestras visitas al estudio y conversaciones, siempre disfruto de nuestros intercambios sobre el significado, los orígenes y los procesos relacionados con tu trabajo. Pensando en las muchas capas de sus esculturas, pinturas y dibujos, ¿cómo presentaría su trabajo a TMA?s audiencia?
NL: Exploro la interacción del cuerpo con su entorno. Lo llamo la relación figura-fondo, que veo como la relación intercambiable entre la figura humana y el espacio que la rodea. Me muevo entre formas escultóricas orgánicas que evocan el cuerpo y formas geométricas que me recuerdan a los espacios arquitectónicos. Me interesa la construcción del espacio, cómo define quiénes somos y cómo nos ayuda a comprender nuestro lugar en el mundo.
Mi trabajo está en capas y llego a él desde múltiples rutas. Combino experiencias personales con investigaciones míticas, teóricas e históricas. A menudo también hay un apuntalamiento político. Trato de encontrar una lente poética o conceptual para explorar estas ideas, usando la metáfora para activar el significado y construir relaciones con las cosas en el mundo.
Habiendo crecido en un lugar que es sorprendentemente diferente de donde vivo ahora, esta cosmovisión de múltiples perspectivas es fundamental para mi experiencia y una parte natural de en quién me he convertido.
JM: La observación del paisaje y el lugar es un aspecto importante de tu práctica de estudio. A menudo usas tus caminatas en el desierto de Sonora como inspiración para estudiar el paisaje natural. También encuentra inspiración en la grabación abstracta de luces y sombras creadas por ventanas y puertas en su espacio doméstico. ¿Cómo aborda la observación, y estos dos enfoques de la observación se informan entre sí, o son completamente diferentes?
NL: Se informan entre sí. No trazo límites estrictos entre las cosas. En mi práctica creativa todo está conectado con todo lo demás. Soy intencional acerca de notar cosas y construyo sensibilidades a lo que me rodea. Es mi forma de conectarme con el lugar donde estoy, porque no tengo un fuerte sentido de lugar y pertenencia. Caminar por el desierto me enseñó lo poco preparado que estaba para lidiar con el espacio abierto, y eso afectó el trabajo que estaba haciendo en el estudio.
Sigo las sombras y el cambio de luz, tanto en interiores como en exteriores, como una forma de sintonizarme con la transición diaria del tiempo. Para mí, las sombras son una abstracción de la realidad y, conceptualmente, son un territorio emocionante que encaja perfectamente con mis exploraciones de la liminalidad y el espacio.
nazafarin lotfi, Todas las cosas que crecen, 2021, encargado por Artpace. Cortesía del artista y Regards, Chicago.
JM: El papel machmi Las esculturas comenzaron a ingresar a su trabajo en 2014. A menudo se han presentado de dos maneras diferentes: esculturas formales en el espacio o como un sustituto de la interacción implícita con usted como artista y entornos urbanos y naturales como en el proyecto. “Cantos rodados. ¿Puedes hablar sobre la evolución de este proceso, cómo se crean las formas y tus intenciones al interactuar con las obras?
NL: Correcto, las formas de papel maché terminaron funcionando de diferentes maneras. Las que van al exterior son a menudo formas más simples y son más interactivas que las esculturas que permanecen en el interior. Ambos cuerpos de trabajo crecieron uno al lado del otro y he seguido trabajando en ambos.
Los cantos rodados que salen del estudio son “esculturas sociales”, y son formas cerradas que interactúan con mi cuerpo. Me interesa combinar lo animado (cuerpo humano) y lo inanimado (objeto) para crear una forma híbrida que sea a la vez objeto y sujeto. En mi serie fotográfica reciente, que estará en exhibición en TMA, incorporé mi cuerpo y una de estas esculturas en diferentes bolsillos naturales dentro de un entorno urbano. Mi objetivo es explorar formas de habitar diferentes lugares a la vez, proponiendo una existencia entre múltiples mundos.
Las otras esculturas son exploraciones formales de las mismas ideas, sin depender de mi cuerpo o del entorno natural/urbano. He creado estos objetos para que funcionen como la figura y el fondo. Estos objetos son huecos por dentro pero no están encerrados. Lo que ves es un caparazón que alguna vez contuvo algo. Entendemos lo que está adentro como el núcleo (la figura), y lo que lo rodea como su ubicación, entorno o fondo. Por lo tanto, las conchas representan tanto la figura (en el espacio) como el suelo.
Vista de instalación de la obra de Lotfi en el 4×4 exhibición. Foto de Nathan Lothrop.
JM: Hablando de tu interacción con la obra, la relación con el cuerpo/espectador es importante. Desde la idea del sudario implícito hasta la interacción espacial entre la obra y el público, ¿lo ves como una invitación visual para que los espectadores investiguen la obra?
ES: Absolutamente. Siempre quiero que eso se manifieste e invite a los espectadores a participar en un acto de exploración. Las superficies de mi trabajo, tanto dibujos como esculturas, están texturizadas y ricas para invitar a los espectadores a acercarse y mirar el trabajo.
El sudario o drapeado implícito que uso en algunas de las formas escultóricas es una referencia a una presencia (o cuerpo) dentro del objeto. Obviamente, también está en conversación con la historia de la fabricación de objetos figurativos (estatuas). Quiero que los espectadores caminen alrededor de las esculturas y busquen aberturas o cualquier otra pista que pueda guiarlos en la lectura de la obra.
JM: Cambiando de tema, a menudo mencionas textos críticos que informan tu práctica creativa. ¿Compartirías algunos de esos textos y los escritores que te inspiran?
NL: Muchos pensadores y poetas me han inspirado a lo largo de los años, incluidos: bell hooks, Franz Fanon, Albert Camus, Jorge Luis Borges, Sharhnoush Parsipur, Etel Adnan, Svetlana Boym y muchos, muchos más. Empecé a leer Gloria Anzaldúa cuando llegué al sur de Arizona y fue una muy buena manera de familiarizarme con las ideas de la frontera. Fue una académica y teórica cultural que utilizó los lentes de la teoría feminista y queer. Gloria creció en la frontera entre Texas y México y pudo teorizar sobre la marginación cultural y social de su comunidad en sus escritos críticos. Su concepto de nepantla, que se refiere a un lugar intermedio, es muy utilizado por los artistas.
Otra pensadora que he disfrutado en los últimos años es Sara Ahmed. Su libro “Fenomenología Queer” ha sido particularmente informativo en mi práctica. También he leído recientemente textos de Donna Haraway y Sylvia Wynter, que fueron muy influyentes en mi pensamiento y trabajo visual. Me gusta pensar en estos escritores en relación entre sí y ponerlos en conversaciones en mi investigación.
JM: A pesar de la pandemia, el último año ha sido productivo para ti como artista. Presentaste un nuevo cuerpo de trabajo en MOCA Tucson y participaste en exhibiciones en Illinois y en otros lugares. ¿Cómo se mantuvo enfocado durante 2020? ¿Los desafíos ayudaron o dificultaron su proceso?
NL: No hay duda de que el año de la pandemia ha sido muy difícil, y estoy seguro de que con el paso del tiempo entenderemos mejor el daño psicológico y emocional que todos experimentamos. En muchos sentidos, me siento muy afortunado de dónde estaba en mi vida cuando ocurrió la pandemia. Mi práctica de estudio no se vio afectada porque no estoy en un gran espacio compartido y no tomo el transporte público para llegar al estudio. Por otro lado, ya conocía el impacto de la separación de la familia y la prohibición de viajar. Durante este momento difícil, me sentí muy afortunada de tener una práctica creativa que me mantuvo comprometida y activa. Lo más importante para mí es seguir adelante y seguir creyendo en el trabajo.
Además de la pandemia, la guerra cultural actual y los levantamientos por la justicia social han estado en mi mente. Como muchos otros artistas, siempre estoy pensando en el papel del arte en medio de todo. El año pasado fue un desafío en muchos frentes, pero también fue una buena oportunidad para evaluar nuestra participación en el mundo que estamos haciendo y el futuro que queremos.
JM: De enero a marzo de 2021 fuiste artista residente en Artpace en San Antonio, ¿cómo resumirías tu tiempo allí?
NL: Artpace es definitivamente una de las residencias de artistas más interesantes que he experimentado. Me invitaron a participar en la residencia de primavera con muy poca anticipación y tuve que presentar una propuesta en un par de semanas. En cuestión de dos meses se investigó, conceptualizó, presupuestó y produjo la propuesta inicial y estoy muy emocionado con el resultado. La breve cantidad de tiempo fue estresante a veces, especialmente porque generalmente me tomo mi tiempo y me comprometo con una idea por un tiempo antes de ponerla en práctica.
Fue increíble y raro trabajar durante dos meses en el mismo espacio que se convertiría en el sitio de exhibición. Me permitió conocer el espacio antes de planificar el espectáculo y pensar más profundamente en una instalación que responda al sitio.
JM: Para TMA, creas un nuevo cuerpo de trabajo informado por tu exploración en Artpace. ¿Qué experimentarán y explorarán los espectadores en esta exposición?
NL: Para mi exposición individual en TMA tengo una selección de la serie de fotos que produje en Artpace llamada Todas las cosas que crecen. Junto a las fotografías hay una serie de esculturas de suelo que he realizado específicamente para esta exposición. La obra es una reflexión sobre un año de pérdida. La exposición ofrece nuevos paisajes y propone modos alternativos de realización del cuerpo en el espacio.
JM: ¿Qué sigue para ti? ¿Tienes grandes planes a medida que todos volvemos a ingresar al mundo en 2021?
NL: Viajé al extranjero en junio/julio para visitar a mis padres en Irán, pero planeo tomarme un tiempo para procesar el trabajo que hice y todo lo que pasamos durante el año pasado.
