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imagen del artista en el estudio
Los Primeros Años
La artista arizonense Monica Aissa Martinez explora las maravillas del cuerpo humano en dibujos y pinturas anatómicas finamente detalladas que resuenan por sus conexiones narrativas a familiares y amigos. Martinez, corredora y practicante de yoga, expresa un enfoque holístico del cuerpo, el espíritu y la mente en su arte, informada por sus estudios de anatomía y fisiología. Al examinar las estructuras del cuerpo y la composición compleja de los organismos vivos, celebra lo que ella llama “la cosa asombrosa llamada vida”.
Martinez nació en El Paso, Texas, en 1962, a Elisa Arellano Martinez y Roberto Martinez. Roberto fue adoptado por la familia Martínez, ricos ganaderos que creían que los hombres de la familia serían rancheros y que las mujeres se educaran. Pero Roberto no quería convertirse en ganadero, por lo que decidió estudiar en la Universidad de Texas en El Paso (UTEP) y dio clases en el sistema de escuelas públicas hasta 1972, cuando obtuvo una maestría en consejería académica en la Universidad de Nuevo México, Albuquerque. Poco después de graduarse, Roberto se convirtió en consejero académico en el Distrito de Escuelas Públicas de El Paso. Trabajando en varias escuelas del distrito, su padre era el enlace entre las familias y la escuela, ayudando a los jóvenes estudiantes a administrar su educación. Roberto y Elisa tuvieron cinco hijas y un hijo. Orgullosos de su herencia mexicana-estadounidense y su educación católica, tanto Roberto como Elisa apoyaban mucho a las mujeres, ideas que se integraron en los puntos de vista del movimiento chicano sobre los derechos individuales y, a menudo, Elisa escribió artículos de opinión al respecto en las décadas de 1960 y 1970.
Mientras Roberto iba a la escuela, con especialización en educación, la madre de Martínez cuidaba de sus seis hijos con la ayuda de una familia extendida de una abuela en la cuadra y un tío cercano. Roberto animó a Elisa a continuar con su educación, por lo que asistió a UTEP y obtuvo su licenciatura en Patología del Habla y Audiología. Roberto a menudo cuidaba a los niños mientras Elisa estudiaba para obtener su título o trabajaba por las noches como miembra del grupo “Los Pobres Teatro Español”, un teatro comunitario en español con sede en El Paso, el primero en el país. La familia era muy unida y solidaria. La familia y la educación eran prioridades para Roberto, y Elisa aportaba el entusiasmo y el compromiso con el teatro. Al graduarse, Elisa se convirtió en médica clínica del habla y la audición, mientras continuaba su interés por el teatro.
Martínez y su hermano menor, Roberto (Chacho), pasaron muchas horas a lo largo de los años ayudando a Elisa en el teatro repartiendo anuncios publicitarios, atendiendo el puesto de comida y trabajando como extras. Según Martínez, “Mamá siempre fue la protagonista. Recuerdo que usaba una minifalda, incluso cuando estaba embarazada, era extrovertida”. Entre las muchas obras en las que actuó se encuentran Los Soles Truncos, La Tía de Carlos y A Streetcar Named Desire. Ganó un premio a la Mejor Actriz por su papel en La Siempre Viva, y fue a Penn State University para actuar en El Color de Nuestra Piel, que también viajó a Texas y Chihuahua, México. Además, recibió muchos premios por su trabajo en el teatro, y uno de los aspectos más destacados de la carrera de Elisa fue actuar en la ciudad de Nueva York.
Posteriormente, Elisa escribió y contribuyó con artículos sobre su familia y cultura a Nosotros, una revista local de El Paso, y Hispanic Link, una revista de noticias en Washington, DC, así como también tradujo libros infantiles del inglés al español para Macmillan Publishing Company, grabándolos en ambos idiomas. También tenía un programa de entrevistas los domingos por la mañana llamado Nuestra Hora, para el cual entrevistó a los principales hispanos de la comunidad.
Con una familia tan educada y solidaria, Martínez se interesó en el arte a una edad temprana. Su hermana Elisa, que es seis años y medio mayor, fue a la universidad y a la escuela de arte y finalmente obtuvo su título en educación artística. Cuando Martínez estaba en la escuela primaria, Elisa le regaló un juego de lápices, papel y otros materiales de arte. “Tenía diez o doce años y el juego de lápices era todo mío”, recuerda Martínez. “Aprendí a usar ese juego de lápices, ese fue el momento para mí”. Desde el principio, dibujo a su familia. Su padre le había regalado libros sobre Leonardo da Vinci (1452-1519), maestro renacentista de estudios anatómicos, y a menudo dibujaba retratos de su madre, admirando su belleza y su personalidad extrovertida. Para cuándo Martínez ingresó a la escuela preparatoria, ya había desarrollado habilidades tanto como atleta (voleibol, baloncesto y atletismo), y como artista, y comenzó a tomar clases de arte y se unió al club de arte de la escuela. Enamorada de sus estudios, se hizo amiga de su profesor de arte, quien la dejó trabajar en la sala de arte durante la hora del almuerzo. En 1979, también trabajó en cerámica a rueda de alfarero y conoció a su compañero de estudios Eddie Duran, quien también trabajaba con arcilla, creando figuras de animales. Si bien Martínez trató de que saliera con su mejor amiga en la escuela preparatoria, prefiriendo concentrarse en su arte más que en las citas, él se enamoró de Martínez y años después la cortejó. Eventualmente, Durán y Martínez salieron durante ocho años y se casaron en 1991.
Cuando Martínez ingresó a UTEP, se especializó en cerámica. Hizo piezas de pared abstractas en arcilla y técnicas mixtas, incorporando palos y llaves recolectadas y haciendo impresiones en la arcilla blanda. También trabajó en formas tradicionales para complementar sus ingresos. Su interés en la orfebrería como grado secundario se inspiró en parte al tomar clases con Rachelle Thiewes (n. 1952), una destacada artista y profesora de metales cuyo trabajo de corsés de hierro perforado y cinturones de castidad hizo declaraciones feministas sobre las constricciones del cuerpo femenino. Otro profesor influyente en UTEP fue Kurt Kemp (n. 1957), alumno del argentino legendario de estampados Mauricio Lasansky (1914–2012), conocido como el “padre del grabado estadounidense”. Kemp recibió su Maestría en Bellas Artes de la University of Iowa y luego se convirtió en asistente de estudio de Lasansky. El propio trabajo de Kemp se centró en la familia, la religión, la política y la cultura, y se inspiró particularmente en las cabezas de bronce africanas del siglo XVIII de la cultura de Benín. Nacido en el medio oeste, una vez en el suroeste, Kemp se vio influenciado por su nuevo entorno. Como recuerda Martínez, “Se interesó por los retablos y la aspereza del desierto. Kurt hizo que viera las cosas con otros ojos”. También le enseñó a Martínez muchas de las bases del dibujo y el grabado. Martínez se enamoró del papel y la tinta mientras trabajaba con Kemp, quien le permitió llegar temprano al estudio de grabado y quedarse todo lo que quisiera. Durante su paso por UTEP participó en más de ocho exposiciones en El Paso, lo que le permitió conocer más sobre la presentación de su arte y obtener valiosa retroalimentación de los espectadores.
Después de que Martínez se graduó de UTEP en 1986, Kemp le sugirió que fuera a Nuevo México State University en Las Cruces (NMSU) para obtener su Maestría en Bellas Artes. Tres años más tarde, siguió su consejo, sabiendo que Spencer Fiddler (n. 1944), otro impresor que estudió con Lasansky, estaba enseñando allí. Fiddler centró su trabajo en la acción figurativa en escenas de batalla y el trazado de líneas. Mientras que Kemp la expuso a la sensación de libertad que permitía el papel, Fiddler inculcó una sensación de estructura que exige el trabajo intensivo del grabado. Durante sus años de posgrado, Martínez se inspiró en Lasansky, cuyas figuras de tamaño natural en collage admiró durante mucho tiempo. Durante ese tiempo, creó formas orgánicas con influencias biológicas, que parecían crecer de la tierra como flores de loto floreciendo.
Image: Monica Aissa Martinez, Untitled, 1991, Graphite and Conté crayon on Japanese paper
La inspiración para el arte de Martínez no sólo provino de sus instructores, sino también de experiencias de vida que la afectaron profundamente. A mediados de sus veintitantos años, se embarcó en un viaje por carretera a México con su familia, con la esperanza de llegar a la Ciudad de México como destino. En el camino, se detuvieron en pequeños pueblos, iglesias y mercados donde vio grandes títeres y esqueletos del Día de los Muertos, y otras artes populares. La escala de grandes figuras la aterrorizaba e intimidaba, pero también se quedaron con su imaginación. Aunque Martínez sufrió un severo ataque de amebas que acortó el viaje familiar, llegaron hasta Zacatecas, donde al visitar una hermosa iglesia se topó con un largo almacén con paneles oscuros lleno de estatuas de santos sobre pedestales, otra experiencia que hizo una gran impresión en ella. Martínez creció como católica y vivía al lado de una iglesia, por lo que la escena en Zacatecas era a la vez intrigante y aterradora, y absorbió esa reacción mixta en su trabajo posterior.
Durante su tiempo en NMSU, su consejero fue Joshua Rose (n. 1948), un graduado de Yale que pintó abstracciones exuberantes y coloridas. Martínez tomó un curso de métodos y materiales con Rose, en el que aprendió la técnica del temple al huevo, así como el trabajo con pasteles, lápices de colores y caseína. Rose fue el catalizador de su amor por los materiales y el color que conserva hoy. Tal vez debido a la influencia de Rose, Martínez pasó gradualmente a la inmediatez de dibujar directamente sobre papel en lugar de continuar con el trabajo estructurado del gabrado. Le gustó la libertad que le permitió la escuela de posgrado y la capacidad de trabajar con estudiantes universitarios y graduados en experiencias compartidas de experimentación y descubrimiento. Cada nueva técnica y exposición a medios inspiró el crecimiento y un sentido más fuerte de su visión. En 1989, se convirtió en asistente de enseñanza posgrado y participó en la exhibición From the Center en la Corbett Center Gallery en NMSU. Su último año de trabajo de posgrado fue un tiempo productivo. Presentó su trabajo de tesis de posgrado en Metaphorical Journey y participó en Latina and Native American Women’s Exhibition en el Guadalupe Cultural Arts Center y Locust Gallery en San Antonio, Texas.
Image: Bailey Doogan, RIB (Angry Aging Bitch), 1989, Charcoal, aluminum dust, dry pigment, collage on primed paper
Otra influencia importante en el desarrollo artístico de Martínez fue Bailey Doogan (1941–2022), profesora de pintura de la Universidad de Arizona que había venido a NMSU como artista visitante durante una semana. Reflexionando sobre esa experiencia, Martínez declara:
Recuerdo que fue una educadora inteligente y accesible. Yo tenía mucha curiosidad y ella estaba ansiosa por hablar sobre su trabajo, me impresionó mucho. Sus piezas estaban en bruto y simplemente clavadas en la pared sin enmarcar. Pensé: ‘Puedo hacer esto tal vez algún día’. Hizo un trabajo poderoso, fue la primera vez que vi imágenes de mujeres con ninguna vergüenza, fue muy honesto, la ira está en el trabajo. Doogan tuvo una pieza reciente llamada Angry Aging Bitch (1989) [también conocida como RIB (Angry Aging Bitch)], tres figuras de ella misma en carbón negro. Me inspiró a trabajar a gran escala. Era intimidante y asombroso al mismo tiempo.
Martinez estaba intrigada por la escala más grande del trabajo de Doogan, pero también se vio influenciada por su uso de líneas intrincadas para crear imágenes detalladas del cuerpo femenino. Aún así, pasarían otros diez años antes de que actuará tanto en la escala como en la complejidad que Doogan inspiró en ella.
La Mudanza a Phoenix
A punto de graduarse en mayo de 1991, a Martínez se le ofreció la oportunidad de enseñar en NMSU para reemplazar a Fiddler, quien estaba programado para tomar un año sabático. Pero su padre, un hombre de familia y tradicionalista, la desanimó de vivir lejos de Durán. Su madre compartía el sentimiento, por lo que rechazó la oportunidad de quedarse en Las Cruces y felizmente se quedó con Durán, quien se dirigía a Arizona. Los dos se casaron a finales de año y comenzó un nuevo capítulo en sus vidas. Vinieron a Arizona en 1992 para que Duran pudiera asistir a DeVry University para estudiar ingeniería eléctrica. Tenían la intención de quedarse solo un par de años y regresar a Nuevo México. Pero una vez que Duran consiguió un trabajo, Martínez pudo concentrarse en su arte a tiempo completo y decidieron quedarse en Phoenix.
Aunque Martínez tuvo excelentes instructores durante sus años universitarios, como muchos artistas emergentes, sufría de falta de confianza en sí misma, por lo que se concentró en hacer arte mientras se mantenía aislada sin buscar agresivamente oportunidades de exhibición. Experimentó con diferentes medios y utilizó materiales que anteriormente se había sentido demasiado intimidada para probar. Su formación en orfebrería, cerámica y grabado—todos procesos lentos, deliberados y metódicos—ofreció la espontaneidad de la pintura como un nuevo desafío. Y mientras continuaba experimentando con nuevos materiales y procesos, en 1992 tomó un trabajo como impresora en Phoenix Art Group mientras Duran asistía a la escuela. Allí, en el ambiente enérgico del centro de Phoenix, aprendió sobre el negocio del arte y conoció a una comunidad de artistas que trabajaban allí. También buscó y siguió recibiendo invitaciones para exhibir su arte. Fue incluida tanto en la National Drawing Competition en Brigham Young University en Provo, Utah, donde recibió un premio de compra, como en la Seventeenth Annual National Invitational Drawing Exhibition en Emporia State University en Kansas.
Después de dos años, cuando Duran se graduó y obtuvo su primer trabajo, Martínez dejó su puesto en Phoenix Art Group, sintiendo que había experimentado todo lo que necesitaba para seguir adelante. Mientras buscaba nuevas oportunidades, se sumergió en su propio arte y el arte de mujeres artistas latinoamericanas que vio en viajes al Phoenix Art Museum, donde visitó diariamente durante un año completo, descubriendo las obras de Leonora Carrington (1917–2011), Frida Kahlo (1907–1954), Remedios Varo (1908–1963) y otros. También frecuentaba el Arizona State University (ASU) Art Museum en Tempe, dirigido por Marilyn Zeitlin, conocida por sus ambiciosas exposiciones y su interés en el arte latino. Profundizando sus conexiones con la ciudad, se enteró por su cartero sobre un colectivo llamado Movimiento del Río Salado (MARS) y presentó su trabajo para La Phoeniquera XV, Juried Art Exhibition en Phoenix. Su primera incursión en la pintura al temple al huevo, The Bride and Groom (1995), una colorida composición surrealista, fue seleccionada para la exposición por la curadora asociada de arte latinoamericano del Arizona State University Art Museum, Linda McAllister.
McAllister pronto visitó el estudio e invitó a Martínez a exhibir en Here and Now: Arizona Contemporary Artists en el ASU Art Museum en Tempe en el otoño de 1995. McAllister había trabajado con Zeitlin en la innovadora exhibición de arte cubano del museo y era una curadora popular en la zona. Para esta exposición, Martínez una vez más presentó The Bride and Groom (1995) [IMAGEN] y pequeñas pinturas al temple de huevo, que incluyen una doncella, una madre y una anciana, inspiradas en su interés por la mitología femenina y la antigua figura de piedra Venus de Willendorf (24.000 –22,000 A. C.). Las composiciones incorporaron formas fértiles y redondeadas, llenas de referencias a la anatomía: ovarios, senos y cerebros.
Image: Monica Aissa Martinez, The Bride and Groom, 1995, Egg Tempera on paper
A través de McAllister, Martínez se expuso a las prácticas básicas del museo y a varios artistas en la escena artística en expansión de Phoenix, así como a muchos artistas cubanos conectados con la universidad y artistas indígenas afiliados al Heard Museum. McAllister también le consiguió a Martínez su primera reseña de arte. Si bien el crítico no elogió su trabajo, fue emparejada en la crítica con un artista popular de Tucson, Andy Polk (n. 1950), quien era profesor en la Universidad de Arizona. Poco después, la Graythorne Gallery en Scottsdale se ofreció a representarla. Anne Nicholson, la dueña de la galería, le dijo sabiamente que ignorara las críticas y se concentrará en sus objetivos artísticos. La experiencia le enseñó a ser resiliente y aspirar a la excelencia. En general, fue un momento embriagador y progresivo para el arte Latinx en el área de Phoenix y Martínez se convirtió en parte del movimiento. Sin embargo, no se veía a sí misma como una artista latinx o chicana, sino simplemente como una artista femenina, porque su trabajo trataba sobre la mitología femenina y lo femenino. Aún así, sintió una profunda conexión con su herencia mexicana por sus estrechos lazos con la familia y la comunidad.
En 1996, Martínez comenzó a estudiar yoga con la intención de comprender mejor el cuerpo y mejorar su trabajo independiente en la práctica. Mientras continuaba corriendo largas distancias, el yoga se enfocaba en centrarse en el cuerpo y luego expandir esos principios y filosofías a la vida cotidiana, un concepto que se convirtió en una gran influencia en su arte y perspectiva de la vida. Durante este tiempo, Martínez también tomó clases de historia del arte mexicano y diseño de páginas web y otras clases digitales en Phoenix College para construir un sitio web. También estudió anatomía, fusionando su interés por el cuerpo y el movimiento con su práctica artística. A través de esta experiencia, aprendió sobre el cuerpo y finalmente comenzó a crear imágenes de órganos flotantes. Durante los siguientes dos años, expuso en Graythorne Gallery y Gallery 10 en Scottsdale, y en exposiciones colectivas en Colorado, Nuevo México, Arizona, Texas y Connecticut.
En ese momento, Martínez estaba construyendo un impresionante récord de seguidores y exhibiciones y era considerada una artista establecida en el área de Phoenix. En 1998 realizó su primera exposición individual, élan vital (frase acuñada por el filósofo de finales del siglo XIX y principios del siglo XX Henri Bergson sobre el concepto de fuerza vital o impulso de la vida) en el Scottsdale Center for the Arts en la Galería “Nuevas Dimensiones” con artistas de Arizona. Su exposición incluyó una nueva serie de imágenes de “Reinas”, una continuación de sus formas femeninas redondeadas influenciadas por la lectura de The Mists of Avalon, una novela de fantasía histórica de la escritora estadounidense Marion Zimmer Bradley.
Image: Monica Aissa Martinez, Queen of Cups, 1998, Casein and Egg Tempera
Una de esas imágenes es Queen of Cups (1998), una imaginativa y colorida composición de caseína y temple al huevo que reúne referencias biomórficas y alquímicas en una figura que sugiere un árbol de la vida. También presentó parejas de madre e hijo y estudios de anatomía: imágenes compuestas por el seno, el cerebro y la clavícula. La noche de su inauguración fue un momento fortuito: el destacado artista de Arizona Fritz Scholder (1937–2005) también se presentaría en el Scottsdale Center for the Arts y allí daría una charla, ella seguiría con una charla propia. Con una audiencia abarrotada para ver ambos espectáculos, vendió un récord de once obras esa noche y conoció a muchas más personas involucradas en las artes.
El éxito de su exhibición en el Scottsdale Center for the Arts le abrió muchas puertas a Martínez. Por ejemplo, Gary Keller, director del Hispanic Research Center en ASU, publicó tres libros que incluían su arte y le encargó que creara una litografía de edición limitada con la editorial Segura, con sede en Tempe. Esta comisión se convirtió en una oportunidad para explorar el arte chicano y conocer una comunidad de artistas aún más grande. Si bien se mantuvo alejada de ser identificada exclusivamente como una artista chicana, se enorgullece de ser latina y tiene una afinidad especial por el arte popular mexicano, con el que creció, y el catolicismo, que la expuso a íconos que han tenido un gran impacto en su trabajo. Para Martínez, sus influencias latinoamericanas ahora están refinadas y contextualizadas en un ámbito médico. Y a diferencia de los temas latinos comunes, como el Día de los Muertos, su trabajo no trata sobre la muerte, sino sobre la vida: puede que comience su esqueleto, pero se usa en un contexto diferente al de tales tradiciones.
Un Estilo en Evolución
Durante los siguientes diez años, Martínez continuó exhibiendo su trabajo en exposiciones colectivas en instituciones y galerías de los estados del oeste y refinando sus ideas. Desde 2001 hasta 2009, se desempeñó como una artista docente para la Arizona Commission for the Art’s Artist Roster y en 2006 se unió a la facultad de Phoenix College. Continuando con sus estudios anatómicos, fue incluida en la Arizona Biennial ’09 en el Museo de Arte de Tucson, lo que amplió su visibilidad en todo el estado. Para su trabajo en la bienal, exhibió Vital Commotion #2 (2009), un lienzo de técnica mixta que mostró un marcado aumento en el tamaño de sus obras en una composición cacofónica de órganos internos flotantes, vivos con un sentido de fuerza vital y energía.
Image: Monica Aissa Martinez, Vital Commotion #2, 2009, Mixed Media on Canvas, 35″ x 45″
Después de unos años, mientras Martínez se hacía notar por sus abstracciones biomórficas, su investigación en revistas médicas y su continuo interés en el yoga y el cuerpo la atrajeron a trabajar con el cuerpo completo. Había visto el trabajo del artista de El Paso Gaspar Enríquez (n. 1942), un compañero graduado de UTEP y NMSU que estaba creando obras que abordaban su herencia latinx, inspiradas en los adolescentes a los que enseñaba en Bowie High School en el sur de El Paso. Enríquez trabajó allí con la madre de Martínez y era parte de la comunidad, por lo que sus retratos surgieron de un lugar de profunda comprensión. Martínez vio en tales obras un nivel de presencia que pueden lograr las obras a gran escala. Inspirada por Enríquez, intentó sus primeras figuras completas a gran escala, y también comenzó a trabajar en grafito y lápiz Prismacolor, medios con los que estaba familiarizada pero que aún no había explorado por completo. Su primer retrato de tamaño natural fue el de su esposo Eddie, seguido de un autorretrato. Martínez recuerda con humor, “Le pregunté a Eddie: ‘¿Posarás para mí? ¿Me dejas fotografiarte?’ Quería capturarlo vestido con un cigarrillo en la mano, algo diferente. Le dije que fuera a mi estudio y salió ¡y estaba desnudo! Pensé, ¡tengo un nuevo modelo!” Aunque todavía le inquietaba trabajar tan grande y le preocupaba cómo reaccionaría el público, siguió adelante, con la esperanza de hacerlo que se viera fuerte al enfocarse en su ropa.
Image: Monica Aissa Martinez, Body Male—A Portrait of Eddie, from the series “Nothing in Stasis,” 2011, Casein, gesso, graphite, micaceous iron oxide on prepared Arches paper
Pero con Eddie de pie frente a ella, desnudo y en un estado vulnerable, Martínez se dio cuenta de que el mayor desafío era cómo abordar el cuerpo humano en sí. Contempló articular el exterior del cuerpo, incluida la piel y el cabello, pero decidió centrarse en el interior del cuerpo en su lugar. Además de las fotografías de su modelo, también delineó su cuerpo para hacerlo exactamente de tamaño natural. Después de haber estado casada con Eddie durante tanto tiempo, conocía bien su cuerpo: los pómulos pronunciados, la caja torácica, el corazón, los músculos, los cartílagos, los globos oculares. Como explica Martínez:
Eddie tiene un gran pecho en forma de barril, e incluso respira diferente a como yo respiro. Empecé a considerar las diferencias mentales y fisiológicas entre hombres y mujeres. Empecé a examinar libros de ilustraciones médicas para comprender mejor esas diferencias. En general, expongo mis composiciones desde la parte superior del papel hasta la parte inferior. En este caso, creé un examen mucho más complejo del cuerpo. Coloqué un cerebro grande que flotaba sobre su figura y luego comencé a dibujarlo mientras llenaba todas las áreas del papel, incluyendo la pelvis y los órganos y otras partes del cuerpo, como las capas de ladrillo, sección por sección. Ya no pienso en las superficies sino en lo que hay debajo de la superficie.
La figura ya no es un recipiente contenido con todos los elementos que residen dentro de él, como un retrato. Más bien, Martínez examina varios elementos del cuerpo como partes igualmente importantes de un todo. Al aislar dichos órganos y estructuras esqueléticas, la composición ya no se trata de Eddie en sí mismo, sino de la vida en general.
Para Martínez, este nuevo retrato se alineaba con su interés en el cuerpo físico y lo que ella llamó “el cuerpo sutil”, el espíritu dentro de todos nosotros. Está fascinada por los sistemas y procesos de la vida y cómo todo cambia cuando salimos de la vida. Aunque examinar la anatomía del cuerpo humano fue una nueva dirección artística para ella, durante mucho tiempo había tenido interés en las estructuras musculares y otros detalles fisiológicos. También era muy consciente del ámbito del espíritu y la mente: los mejores amigos de su padre eran un médico y un sacerdote, y su padre era psicólogo. Para Martínez, la mejor manera de articular la fusión de lo físico y lo espiritual era examinarlos a través de patrones visuales de conexión. Después de que Martínez completara la figura completa de Eddie en 2011, creó un autorretrato de formato similar, así como otra imagen anatómica de un miembro adolescente de su familia, un cuerpo en la cumbre de la salud y la pubertad.
Martínez también tiene un interés creciente en el mundo animal como se ve a través de una aguda observación. Sus primeros estudios de animales incluyen un lebrilope imaginario, además de gatos, armadillos, pájaros, coyotes, jaguares, ratas y sapos, a menudo pintados en mapas de collage que los ubican en la región donde los encontró. En última instancia, se embarcó en una larga serie de insectos. Todos los veranos, monta su estudio para crear obras divertidas, alegres y de ejecución rápida en comparación con los meses de duración que implican las obras más grandes. El verano de 2013 se convirtió en lo que ella llama “Mi verano como entomóloga”, una época en la que amigos y clientes le enviaban insectos. También encontró abejas, moscas, un escarabajo hércules, una polilla de halcón, un escarabajo de palo verde, una avispa de papel, una avispa de tarántula y otros para examinar y dibujar. Si bien inicialmente tenía miedo a los insectos, con el tiempo, comenzó a comprenderlos al mirarlos a través de una lupa y dibujar a sus sujetos. Para Martínez, estas obras son ejercicios de observación cuidadosa y constante y recuerdan el valor de toda vida. Ella declara: “Nos conecta de una manera muy básica, ya que todos somos sistemas hermosos y complejos”.
En 2013, el arte de Martínez fue reconocido a nivel nacional cuando Crystal Bridges Museum of American Art en Bentonville, Arkansas, comenzó a visitar estudios de todo el país para su exposición nacional, State of the Art: Discovering American Art Now (2014). Su trabajo fue elegido entre un gran grupo de artistas de Arizona, y compraron dos de sus dibujos de torso de tamaño más grande que el natural, por lo que fue un honor ser seleccionados por sus distinguidos curadores.
Image: Monica Aissa Martinez, Male Torso—Anterior View, 2012-2013,Casein, gesso, graphite, egg tempera, micaceous iron oxide on canvas, Collection of Crystal Bridges Museum
Como recuerda Martínez, “Male Torso-Anterior View [2012–2013] fue elegido para la exposición. Conocí a Alice Walton [fundadora y asesora de Crystal Bridges] cuando estaba parada frente a mi trabajo. Ella me dijo que quería la pieza, y rápidamente le dije que estaba asociada con otra obra [Female Torso-Anterior View] que no estaba en la exhibición. Cuando se me acercaron para la compra, ¡era por las dos obras! Ahora las exhiben regularmente. Me alegro de que se hayan quedado juntas”. Martínez pasó repentinamente al centro de atención y a una audiencia exponencialmente más grande – fue un momento emocionante y ansioso ya que su vida privada en las artes ahora se haría pública. Su trabajo en la exhibición fue reseñado en el New York Times, y pronto, los curadores la buscaron y los galeristas, coleccionistas y el público la contactaron o volaron a Phoenix solo para ver su trabajo y conocerla. Fue la primera vez que Martínez se dio cuenta del impacto que su trabajo podría tener en las personas y la responsabilidad que tiene un artista en tales situaciones.
Introvertida por naturaleza, Martínez ahora tenía la confianza para hacer valer su voz y seguir adelante con sus ideas sabiendo que era aceptable por una amplia audiencia. Por ejemplo, en 2015, Peter Held, entonces curador del ASU Art Museum Ceramics Research Center, seleccionó su trabajo para Between Earth and Sky: Contemporary Art From the American Southwest, en una gira por tres universidades en China. En 2016, la exhibición State of the Art de Cristal Bridges viajó al Jepson Center, Telfair Museums, en Savannah, Georgia, y un año después a Dixon Gallery and Gardens en Memphis, Tennessee; el Frist Museum en Nashville, Tennessee; y el Mint Museum en Charlotte, Carolina del Norte. También en 2016, su trabajo se incluyó en Drawing With Everything en el Phoenix Airport Museum en el Aeropuerto Internacional Sky Harbor. Varios médicos vieron la exposición y se acercaron a ella. Por ejemplo, el Dr. Joe Alcock, médico de emergencias y profesor del Departamento de Medicina de Emergencias de la Universidad de Nuevo México, Albuquerque, que se enfoca en el microbioma en relación con la obesidad, la buscó y le contó sobre su blog de enseñanza. Al pedirle que usara una imagen de uno de sus trabajos, Portrait of Sara, Head in Profile, Arms Akimbo (2015–2017), también le presentó los podcasts de medicina y ciencia de la evolución, que le dieron nuevas fuentes para su trabajo.
Image: Monica Aissa Martinez, Portrait of Sara, Head in Profile, Arms Akimbo, 2017. Casein, gesso, gouache, graphite, micaceous iron oxide, Prismacolor pencil on Arches paper
También en 2016, creó una exposición individual, Cella, organizada por el Phoenix Institute of Contemporary Art (PhICA), que colocó contenedores de transporte reutilizados en Roosevelt Row en el centro de Phoenix para exposiciones mensuales. Para esta exposición, utilizó todo el espacio del contenedor y comenzó a trabajar con dibujos de dos caras en Mylar para acomodar el estrecho espacio del contenedor.
Totalmente inmersa en examinar el cuerpo humano, en 2017, Martínez utilizó su conocimiento para crear un retrato de figura completa de su padre. Roberto había sido un hombre fuerte que nadaba todos los días, pero recientemente se había caído un par de veces. Mientras dibujaba sus músculos, grasa, estructura ósea, cerebro y otros órganos internos, también se dirigió a su cuerpo cambiante, tratando de encontrar una manera de articular sus piernas debilitadas. Eventualmente recibió un diagnóstico a los 82 años: tenía Alzheimer.
Image: Monica Aissa Martinez, Portrait of Sophie, Trisomy 21 Study, 2017 Casein, gesso, gouache, graphite, micaceous iron oxide, Prismacolor on Arches paper
Después de que la exposición de Crystal Bridges completó su recorrido, las obras de Martínez se centraron más en la intersección de la ciencia, la medicina y el arte. En 2018, Michelle Dock, directora del Tempe Arts Center, la seleccionó para una residencia de verano en el centro. Esta experiencia le permitió trabajar en un nivel más amplio de conciencia y concentración en sus nuevas ideas. También pudo obtener la asistencia técnica que necesitaba, incluida una rara oportunidad de visitar el Banner Sun Health Research Institute Brain and Tissue Bank en Sun City, Arizona. El cerebro y las constelaciones neuronales se habían convertido en un foco principal para Martínez debido a la enfermedad de su padre, y quedó fascinada por la estética de los cerebros sanos y enfermos. Aún así, se le recordó que la inspiración para su estudio fue su padre, con una historia personal y una conexión emocional con ella, no una entidad anónima. Los científicos allí fueron muy complacientes y le mostraron la instalación, incluido un cerebro y un corazón humano, sólo unas horas después de que fueron extraídos del cuerpo.
Durante la residencia, Martínez trabajó desde un estudio allí mismo, donde conoció a personas de todo el mundo, incluidos científicos y otros investigadores. Por ejemplo, un visitante le dijo que su trabajo consistía en examinar la estructura de una lata de aluminio, insinuando una conexión entre el aluminio y el Alzheimer. En 2018, también se volvió a conectar con el Dr. Joe Alcock, quien vino a ver su exposición Nothing in Stasis en la Facultad de Medicina de la Universidad de Arizona y usó sus imágenes para la International Society of Evolution, Medicine, and Public Health en Utah. Compartir su trabajo con el Dr. Alcock y aprender sobre la investigación de otros aumentó su respeto por los científicos que trabajan en este campo, amplió su comprensión de la interconexión del arte y la ciencia e informa directamente su trabajo actual. “Leonardo da Vinci es una de mis mayores influencias”, explica Martínez. “Nunca imaginé en mis mejores sueños comprometerme con la profesión médica. Jugué al doctor cuando era niña con un botiquín médico de juguete y estudié anatomía básica y disección en la escuela preparatoria, pero nunca pensé en convertirme en médico. Para mí, Joe [Alcock] abrió otro portal para trabajar con personas a través de un aspecto científico. Ha sido una experiencia maravillosa conectarme con un mundo más grande”.
Image: Monica Aissa Martinez, Portrait of Chacho—Peace Out Brother, 2020, Casein, gesso, gouache, graphite, micaceous iron oxide, Prismacolor pencil, collaged map on BFK Rag paper
Poco después de que la pandemia de COVID cambiará el mundo, en 2020, Martínez buscó nuevos proyectos durante el aislamiento. Su hermano Chacho acababa de fallecer a causa del virus, por lo que el nuevo trabajo la mantendría ocupada y distraída. La Dra. María Adelaida Duque, científica del Wellcome Sanger Institute en Cambridge University, la invitó a trabajar con un equipo de seis científicos de Alemania, España, Inglaterra y Francia en un proyecto de participación pública sobre enfermedades tropicales desatendidas. Hablaron a través de Zoom para obtener más información sobre los patógenos que cada uno estaba estudiando, y Martínez creó obras de arte y publicaciones de blog basadas en su investigación. A través de sus largas entrevistas y discusiones, no solo aprendió mucho sobre su investigación, sino que también descubrió que los científicos pueden ser grandes admiradores de las bellas artes. El resultado de sus comunicaciones resultó en un nuevo y poderoso cuerpo de trabajo, “Parásitos: alarmantes y hermosos”, una serie de diecisiete pinturas circulares, exhibidas en una versión reciente de Nothing in Stasis, en el Mesa Arts Center de Arizona. Martínez también contactó al Dr. Alcock para ver si podía usar su investigación para hacer un nuevo dibujo. Estuvo de acuerdo, pero solo si ella se enfoca en la obesidad, un terreno nuevo para Martínez. Investigó el tema y llegó a conocerlo lo suficientemente profundo como para expresarlo a través de su arte. Terminado en 2021 durante el cierre de COVID, el resultado de sus discusiones fue Portrait of Verónica: Who’s in Control? (2021)
Image: Monica Aissa Martinez, Portrait of Veronica, Who’s in Control, 2021, Casein, graphite, gesso, gouache, ink, micaceous iron oxide, Prismacolor pencil on canvas, collaged map on Arches paper
Más tarde, Alcock mostró imágenes de su trabajo en un taller en 2022 para estudiantes de medicina en la Universidad de California, Santa Bárbara. A través de las muchas conexiones nuevas que Martínez ha encontrado con las ciencias, cada semestre ahora enseña un taller de artes visuales de un día para la clase de anatomía general en la facultad de medicina en el campus de la Universidad de Arizona en Phoenix.
Junto con el enfoque de una década de Martínez sobre las complejidades del cuerpo y otras formas de vida, hay un interés en las estructuras de la presencia humana en forma de mapas. Así como el cuerpo tiene caminos y sistemas que sirven a las funciones de la vida, también los caminos y las calles sirven al cuerpo más grande de un pueblo o ciudad proporcionando conductos de movimiento. Ella los encuentra igualmente fascinantes porque cuentan la historia de un colectivo de vida humana – organizado pero caótico, funcional pero falible y estéticamente convincente. Su abuelo coleccionaba mapas y esa pasión despertó el interés de la artista. En ellos, encontró puntos en común entre la representación esquemática de sistemas biológicos complejos y los sistemas cívicos de orden.
Image: Monica Aissa Martinez, City of Tucson – You Look Like a Neuron to Me, 2022, Casein, Gesso, Micaceous Iron Oxide, Pigma Brush Archival Ink, Map Collage on Canvas
Por ejemplo, Ciudad de Tucson—You Look Like A Neuron to Me (2022) aparece como una vista desde un avión en la noche con las luces brillantes de la ciudad emergiendo de las regiones exteriores de la ciudad y resaltadas en el centro con cuadrículas de colores y formas orgánicas que parecen a la vez topográficas y celulares. Los hitos en la naturaleza comparten un espacio compatible con las estructuras de la civilización, armoniosos en sus sistemas de función. Para Martínez, las similitudes entre el cuerpo y la ciudad son palpables, y lo expresa con una celebración de la coexistencia y el orden versus el desorden.
Martinez profundiza en sus temas con paciente concentración, no solo en el tiempo y el esfuerzo que dedica a aprender sobre los sistemas corporales, sino también en las personas que retrata: sus historias de vida contadas a través de sus cuerpos, lo que hay debajo de la piel. Ella llega con reverencia a sus historias: estas son personas reales, no personajes demoníacos de esqueletos y partes del cuerpo. Su objetivo es preservar sus vidas y sus cuerpos a través del arte para honrarlos, representados vivos y sanos, y al mismo tiempo, revelando sus partes más íntimas. Mientras que otros trabajos similares que usan referencias anatómicas pueden parecer visualmente invasivos, el trabajo de Martínez no es voyerista ni amenazante, es accesible. Son dibujos asombrosos que son producto de su curiosidad y amor por la ciencia y la naturaleza; son de celebración. El proceso de ejecución del artista también es largo y metódico. Cada trabajo puede tardar hasta un año o más en completarse, desde la investigación inicial hasta la primera capa de dibujo anatómico y los elementos intrincados y fantasiosos que ella superpone, al igual que las intensas capas de esqueleto, músculo, órganos y sistema circulatorio. A medida que trabaja, la composición cambia, marcada por estructuras celulares y otros adornos que conectan los músculos y los sistemas nervioso y sanguíneo en composiciones estéticamente convincentes, a la vez discordantemente real y abstractas. La sensación de energía en sus intrincadas líneas anima las composiciones.
Con un sentido de asombro y reverencia, Martinez aborda su arte de manera holística, examinando la mente, el cuerpo y el espíritu desde lo microcelular hasta lo cósmico. Su interés por la ciencia es metafísico y su ímpetu es la comprensión de la energía del cuerpo: cómo se mueve y cómo se dirige. Como revela Martínez, “Y para que realmente entienda algo, tengo que dibujarlo”. Y dibuja, en líneas, colores y formas ricamente hermosas, expresando la complejidad del mundo que la rodea.
[1]Monica Aissa Martinez, phone interview by Julie Sasse, July 5, 2022. The majority of this essay is derived from this interview unless otherwise noted.
[2]Monica Aissa Martinez, phone interview by Julie Sasse, July 5, 2022.
[3]The author was a fellow student of Rachel Thiewes in the early 1970s at Southern Illinois University where she obtained her bachelors degree.
[4]Martinez visited Mexico with her family as a young girl of five years old and she suffered a similar illness which also stayed in her memory and perhaps influenced her later interest in the microscopic aspects of the body. Her illness was so severe, she was hospitalized upon her return to the United States. Monica Aissa Martinez, email correspondence with author, July 12, 2022.
[5]Monica Aissa Martinez, phone interview by Julie Sasse, July 5, 2022. Doogan’s drawing, Angry White Bitch was created as a response to a male student’s assessment of her because of the assertive, feminist nature of her work.
[6]Monica Aissa Martinez, phone interview by Julie Sasse, July 5, 2022.
[7]Monica Aissa Martinez, phone interview by Julie Sasse, August 11, 2022.
[8]Monica Aissa Martinez, email correspondence with author, August 9, 2022.
[9]Monica Aissa Martinez, email correspondence with author, August 5, 2022.
[10]Phoenix Institute of Contemporary Art (phICA) was founded in 2007 by Ted Decker, Greg Esser, and Eddie Shea. The first project was launched in 2011. The non-profit organization uses a collaborative approach to support contemporary artists by presenting exhibitions, facilitating residencies, providing financial support, and encouraging cultural exchanges between artists. For more information about phICA, see https://www.phica.org.
[11] Banner Sun Health Research Institute Brain and Tissue Bank in Sun City is a program committed to the study of normal and diseased brain using volunteers and donors from the Phoenix metropolitan area. Since 1987, more than 3,000 community members have participated in the study of functions during life and organs after death. It currently holds more than 2,000 brains, including normal conditions and Alzheimer’s, Parkinson’s, cerebrovascular, and other neurodegenerative diseases. For more on Banner Sun Health Research Institute Brain and Tissue Bank, see https://bannerhealth.com.
[12]Monica Aissa Martinez, phone interview by Julie Sasse, July 5, 2022.
[13]Monica Aissa Martinez, phone interview by Julie Sasse, July 5, 2022.
[14]Monica Aissa Martinez, “State of the Art: Discovering Art Now,” https://stateoftheart.crystalbridges.org/.
